Réalisées à la fin du 18^e siècle, ces boiseries proviennent de l’hôtel particulier de la famille Gonthier d’Auvillars, construit à partir de 1732. Le salon, la bibliothèque et la chambre à coucher de l’hôtel Gaulin ont été conçus comme un ensemble décoratif cohérent : l’emploi de boiseries à décor doré sur un fond blanc crème, l’inspiration classicisante, le jeu rigoureux des encadrements moulurés et des ordres architecturaux lui donnent une unité. Organisé autour de portes, de trumeaux et de lambris, l’ensemble décoratif du salon est rythmé par les encadrements, frises d’entrelacs, rinceaux et la corniche à modillons.

Les thèmes allégoriques apparaissent dans la décoration des dessus-de-porte en stuc : les bas-reliefs en demi-lune montrent en effet des scènes d’enfants évoquant différentes allégories, comme le Vin, le Jeu, la Roue de la Fortune et l’Amour remettant le Monde aux mains de la Folie. Placées sous le signe du divertissement, ces allégories font aussi subtilement quelques allusions à des sujets moins légers (la couronne et la tiare évoquent les symboles religieux, la faux est celui du Temps).

Réalisé par le sculpteur dijonnais Jérôme Marlet, ce décor est caractéristique du courant néoclassique, tant par la structure architecturale que par les motifs choisis et le répertoire ornemental.

En 1786, les États de Bourgogne choisirent Pierre-Paul Prud’hon pour réaliser l’immense toile décorative qui devait orner le plafond de la salle des Statues du premier musée de Dijon. Élève de l’École de dessin et lauréat du prix de Rome depuis 1784, Prud’hon avait déjà effectué son séjour de quatre années dans
la Ville éternelle.

Prud’hon copie ici une partie du plafond baroque de Pierre de Cortone, Le Triomphe de la Divine Providence, peint entre 1636 et 1639 au palais Barberini. Il proposa néanmoins une adaptation assez libre de son modèle en peignant une glorification de la Bourgogne. Reconnaissable à l’écu sur lequel elle s’appuie, la Bourgogne personnifiée est drapée dans un manteau fleurdelisé et désigne au-dessous d’elle les armes des Condé, composées des trois fleurs de lys et de la brisure de bâtardise. Dominant le Temps qui dévore ses enfants et les Parques filant, la Bourgogne est entourée de plusieurs allégories aisément identifiables : à gauche, la Peinture bâillonnée et la Sculpture croisant les bras sur un buste aux traits de l’artiste ; à droite, la Prudence tenant un miroir, puis la Justice et sa balance. Dans la partie gauche, l’Immortalité élève un cercle d’or. Enfin, au sommet de la toile, on retrouve trois figures féminines qui maintiennent les branches de laurier encadrant les armoiries, et deux ailées, la Renommée et la Victoire.

Cette pendule est attribuée à André-Charles Boulle, célèbre ébéniste de Louis 14, et devait orner une bibliothèque ou un cartonnier – est posée sur une base rectangulaire en chêne plaquée d’ébène, à filets de laiton et rosaces en bronze. Le socle de la pendule forme une double arcature ornée de coquilles et feuilles d’acanthe. Sur les surfaces pleines se déploie une marqueterie de laiton sur fond d’écaille brune. Elle est ornée de deux figures allégoriques représentant le Jour et la Nuit, copies des sculptures exécutées par Michel-Ange au début du 16^e siècle pour le tombeau de Julien de Médicis dans la chapelle familiale située dans la basilique San Lorenzo à Florence. Ces allégories personnifient la mélancolie, l’immortalité de l’âme et la fuite du temps, des sujets habituels sur les pendules et horloges.

Boulle se spécialise dans la technique de la marqueterie, associant bois, écaille, incrustations de laiton et éléments en bronze. Les bronzes sont ici particulièrement exemplaires et témoignent d’une maîtrise technique indéniable dans leur traitement et leur ciselure.

Né à Dijon en 1733, Jean-François Gilles, dit Colson, n’a en réalité jamais travaillé dans la capitale bourguignonne. Surtout connu pour ses portraits, l’artiste livre ici une jolie représentation de la vie quotidienne de son temps dans cette scène de genre.

Le cadrage serré montre une jeune fille endormie dans un fauteuil, inconsciente de la scène animalière qui se joue à côté d’elle, où un chat guette le serin attaché. Au premier regard cette scène de genre peut paraître anecdotique mais, comme pour nombre de sujets équivalents à cette époque, une double lecture s’impose : il semble que l’instant imminent où le chat va ne faire qu’une bouchée du serin retenu prisonnier puisse également être interprété comme une menace pesant sur l’insouciant abandon de la jeune fille.

Le traitement très réaliste des matières, du costume, des carnations et des animaux témoigne de la maîtrise technique déjà acquise par l’artiste pour cette œuvre de jeunesse. La palette tout en nuances participe à l’évocation intimiste et subtile de la scène de genre.

Chef-d’œuvre d’un artiste âgé d’à peine vingt-six ans, Le Repos de Colson est l’un des tableaux les plus célèbres du musée. Image d’une enfance à la fois coquette et ingénue dans une atmosphère intimiste, il est un exemple caractéristique des œuvres du 18^e siècle.

Peintre de scènes de genre et de paysages de fantaisie avec des ruines romaines, le Dijonnais Jean-Baptiste Lallemand a également laissé quelques paysages bourguignons, qui constituent aujourd’hui de précieux témoignages historiques et topographiques. C’est le cas de cette vue du château de Montmusard, résidence du Premier président du Parlement de Bourgogne, Jean-Philippe Fyot de La Marche, qui commanda à l’artiste la vue de son château vers 1770 pour remercier son homme de confiance, l’abbé Fabarel, maître d’œuvre de cette originale résidence. Édifiée près de Dijon autour de 1765, d’après les plans du jeune architecte parisien Charles de Wailly, cette « folie » est l’une des premières manifestations architecturales néoclassiques de province.

Dans une lumière vaporeuse, le peintre a su mettre en valeur cette réalisation architecturale dans un parc où se réunissait à l’époque la société provinciale lettrée et fortunée. Dans les lointains, on reconnaît quelques silhouettes d’édifices dijonnais et notamment le palais des États, dominé par la tour Philippe le Bon et la flèche de la Sainte-Chapelle.

Peintre néerlandais, Jacob Duck se spécialise dans les scènes de genre aux thématiques savoureuses mais souvent moralisatrices, comme ce tableau qui dénonce les vices de la nature humaine.

Dans un intérieur bourgeois, un soldat, avachi sur une chaise, semble plongé dans un profond sommeil. Derrière lui, une jeune femme regarde par la fenêtre, alors qu’un autre homme apparaît en arrière-plan.

L’aspect moralisateur se manifeste par l’allusion à la séduction, l’ivresse probable du soldat assoupi (le pichet sur la table) et la présence des objets réunis en nature morte (instrument de musique, mappemonde), autant d’évocations symboliques qui dénoncent la vanité humaine.

Saint Jean l’Évangéliste se présente ici en pied, vêtu d’un manteau rouge et d’une somptueuse robe verte ornée de décors moulés et appliqués. Il neutralise d’un geste de bénédiction la coupe de poison avec laquelle Aristodème a tenté de le tuer.

Le style du dessin et la physionomie du saint, avec son regard baissé, ses yeux globuleux, sa fossette au menton, tout comme les boucles de cheveux enroulées sur le front et le chemin de terre bordé de plantes se retrouvent chez le Maître du Retable des Augustins de Nuremberg. Identifié à Hans Traut, cet artiste fut, avec Michael Wolgemut, à la tête de l’un des ateliers les plus productifs de la ville de Nuremberg.

Un Saint Jean-Baptiste conservé dans une église de Nuremberg a peut-être fait partie du même retable.

Représenté en pied, et drapé d’un manteau vert à revers rouge, l’apôtre Jacques le Majeur porte ici ses attributs habituels : le chapeau, le bâton de pèlerin et la coquille. Quelques plantes et insectes sont disposées de part et d’autre d’un chemin de terre. En partie supérieure, se distinguent des zones laissées en réserve, masquées à l’origine par une arcature ajourée en bois.

Cette peinture était initialement la face interne d’un volet de retable. Deux autres volets du même ensemble, un Saint Georges conservé à Chalons-en-Champagne, et un Saint Barthélémy conservé à Wurtzbourg, sont aujourd’hui identifiés.

Michel Manzi est imprimeur au service de l’entreprise Goupil et Cie dans les années 1880. Peu après, il reprend l’entreprise à son compte et commercialise des estampes et des reproductions photographiques de peintures partout dans le monde. Il est également directeur de galeries et marchand d’art, proche des impressionnistes, dont il en promeut les créations. Degas travaille avec lui pour la reproduction de ses dessins.

Il représente ici l’homme au travail dans une manière qui rappelle la technique du pastel et des Nabis, en gommant tout effet de perspective. Ce tableau a appartenu à Ambroise Vollard, autre grand marchand des impressionnistes.